To the World Congress!

I am in the middle of rehearsing for my presentation at The 6th World Congress of Korean Studies (제6회 세계한국학대회), which kicks off tomorrow morning at the Academy of Korean Studies (한국학중앙연구원) in Gyeonggi-do. This years theme is “Transforming Korean Tradition: Past and Present” (한국 전통의 변모: 과거와 현재), so my paper on “Contemporary Pansori Performances in Korea and Abroad” quite fits in, doesn’t it? We’ll see… Fortunately, there is also another presentation on pansori, unfortunately in the same time slot, Wednesday morning—not sure, if I can take an early leave from my own panel. Dorothea Suh (see her blog) will be talking about Achim Freyer’s production of Sugung-ga aka Mr Rabbit and the Dragon King (review upcoming!).

Here is my abstract, both in English and in Korean, for anyone interested (note that my subtitle has slightly changed from the first draft):

Creating Communities: Contemporary Pansori Performances in Korea and Abroad

Drawing both on historical research and performance analysis, this paper discusses the changing role of tradition and community in different forms of concurrent pansori practice. A phenomenologically founded comparison of three types of performances (orthodox, touristic, experimental) helps to evaluate how different approaches towards tradition evoke communal experiences, offering new insights about the future prospects of pansori and other transmitted performing arts in Korea and abroad.

Pansori, a highly interactive genre of music theatre performed by a solo singer-storyteller and a drummer, is considered one of the most iconic Korean traditional performing arts. Historically, the appeal of pansori was based on its power to strengthen existing communal bonds among its participants, who participated in the performance with rhythmic calls of encouragement. The fading importance of tradition in everyday life, however, rises the issue of how to address heterogeneous groups of spectators not necessarily familiar with the conventions of pansori. Recent governmental aspirations of “globalizing” Korean culture further add to this dilemma: How can pansori reach contemporary audiences?

Stately-sponsored concerts by high-ranking singers primarily aim at the preservation of a “national cultural asset” in its original form. These “orthodox” performances rely on the concerted participation by an informed audience to temporarily evoke communal feelings through the collective re-staging of a lost past. Because of the small number of potential spectators for this rather elitist format, various efforts to popularize pansori have been made, falling mainly under two categories:

First, fragments of pansori are presented in spectacular potpourri-like performances that promote a digestable, unified tradition. These “touristic” shows succeed in reaching broader audiences but tend to discourage active participation, running the risk of commodifying pansori into a mere showcase of a distant, exotic tradition.

Second, against this trend a new generation of singers writes new pieces based on current social issues, often employing a critical stance, to revive pansori as a inherently contemporaneous culture. Substituting a shared cultural heritage with shared opinions on Korean society as the basis of communal experiences, the satirical content of these “experimental” performances is difficult to convey in oversea productions.

Although the concrete success of these different approaches varies from performance to performance, the comparison clearly shows that the audience, whether conceptualized as transmitters, consumers or creators of tradition, is a force that cannot be neglected. From the spectator’s perspective, it is the moments of communal activity that make pansori worthwhile, both in Korea and abroad.

오늘날 한국과 해외에서의 판소리공연에 관한 연구 – 공동체 형성을 중심으로

본 논문에서는 판소리의 역사학적 연구와 공연분석론을 바탕으로 다양한 사례를 통해 동시대적 판소리 공연에서의 전통과 공동체가 어떤 역할인지 논의한다. 세 가지의 판소리 연출방법(정통적으로, 관광적으로, 실험적으로)을 현상학적인 측면에서 비교하므로 전통을 접근하는 다양한 방법들이 어떻게 공동체의식을 나타내는지를 파악하고자 한다. 그리고 판소리를 비롯해 한국과 외국의 전승연희의 전망을 모색하고자 한다.

판소리란 단독의 소리꾼과 북을 치는 고수, 그리고 관객간의 상호적인 것을 말하며 가장 대표적인 한국 전통공연예술 중 하나로 여겨진다. 역사적 측면에서 판소리의 매력은 율동적인 추임세를 외치는 청중들이 공동체적 관계를 강하게 경험할 수 있는 것에 기반을 두고 있었다. 하지만 본 연구자의 관점은 현재 판소리의 전통적인 관습을 모르는 일반적인 관객에게 판소리를 어떻게 대중화시킬 수 있는지에 관한 문제에 주목한다. 최근의 한국정부에서 촉진하는 “한국문화의 세계화”가 있어서 이 문제가 쟁점적이다: 현재 사람들이 어떻게 판소리를 즐길 수 있을까?

국가의 후원을 통해 명창들이 나오는 완창공연은 판소리가 “문화재의 원형”으로서 보존된다는 의미를 가진다. 이런 “정통적”인 공연을 통해 일시적이지만 사라졌던 과거를 재형성하는 공동체의 느낌을 떠울려줄 수 있지만 판소리를 잘 아는 관객들이 많지 않아서 판소리의 대중화를 확대하는 다양한 대안이 필요하다. 이 노력의 대부분은 두 가지 범주로서 다룰 수 있다:

첫 번째는 화려한 옴니버스 공연을 통해 수용하기 편리한 전통을 생산한다는 것이다. 이런 옴니버스식 “관광적”인 공연은 더 폭넓은 관중의 호응을 얻을 수 있지만 관객의 참여를 막는 경향 때문에 이국적인 전통으로 박재화되어 진열되고 상품화 될 위험도 있다.

두 번째는 이 추세에 대안을 모색하는 젊은 소리꾼의 세대는 기본적으로 현대적인 예술로 판소리 문화를 위치짓게 하기 위해 비판적인 태도로서 현재 사회현상을 바탕으로 새로운 판소리 작품을 만들고 있다. 하지만 다분히 “실험적”인 공연 형식과 풍자적인 내용을 현재 한국 사회에 대한 공통의 의견을 바탕으로 공감을 형성하고자 하기에 해외공연에서는 (한국 현재생활을 잘 모르는 관객에게) 의미 전달하기가 어려울 수도 있다.

어떤 연출방법이 성공하는지는 구체적인 공연에 따라서 다를 수도 있지만 위의 비교연구를 통해 전통의 전승자나 소비자, 아니면 창조자던지 중요한 것은 무조건 판소리 관객이라는 사실을 알 수 있다. 관객의 입장에서 판소리 공연이 볼 만한 것이라는 이유는 한국이든지, 해외이든지 공동체적인 활동이라는 것이다.

— 24 Sept. 2012 (月)

About Jan Creutzenberg

Jan Creutzenberg, friend of theatre, music, and cinema, comments on his performative experiences in Seoul and elsewhere.
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One Response to To the World Congress!

  1. Kaylin says:

    Hello! I’m a writer working for a radio program in Korea. Would you be interested in guesting on our show? Please e-mail me as soon as you can for more details: kaylinx83@hotmail.com

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